Este documento proporciona información sobre la historia y evolución de la música pop y rock desde la década de 1950 hasta la década de 1990. Detalla los orígenes del rock and roll y el pop, los principales músicos y estilos de las décadas de 1950 a 1980, incluidos Chuck Berry, Elvis Presley, The Beatles, The Rolling Stones, y más. También incluye índices de contenido y enlaces de audio para ejemplos musicales.

2. Símbolos utilizados:
Audición. Ejemplos sonoros. Escucha atentamente y aprenderás.
Video. Picha sobre el enlace y si tienes Internet escucharás y verás un
video significativo sobre lo que se está explicando
Indaga. Busca información: enciclopedias, libros, Internet, pregunta al
que pueda saber,…
Ejercicio escrito. Te ayudará a aprender los conceptos.
Ejercicio musical. Cantamos, tocamos ritmos, melodías, armonías…
Recuerda. Trata de no olvidarlo.
Consejos para el estudio.

3. INDICE DE CONTENIDOS
 Términos
 Origen
 Músicos de los 50
50´s
 Estilo Beat: The Beatles
 Imagine
 Rolling Stones
60´s
 Movimientos del 68
 Variedad de estilos
 Bohemian Rhapsody
70´s  El videoclip
 Figuras: Michael Jackson, Madonna
 Nuevos estilos y subestilos
80´s
 Evolución de estilos anteriores
 Nuevas propuestas
90´s

4.  Términos
A comienzos de la década de los cincuenta se produjo en Estados Unidos el surgimiento de una
nueva modalidad de música popular: el rock & roll, expresión que podría traducirse por "contonearse
y rodar". El término Rock-and-Roll fue utilizado en 1951 por Alan Freed, disc jockey de Cleveland,
tomado de la canción "My Baby Rocks Me with a Steady Roll".
El término "pop", por su parte, se ha intentado definir de distintas formas a lo largo de los años,
utilizando expresiones como inmediata, disponible o contemporánea, aunque su mejor definición es
aquella que deriva de su propio origen: popular. Si bien el profano tiende a situar el momento del
nacimiento del pop en la explosión beat de los años sesenta asociándolo con grupos como Beatles o,
incluso un poco antes con la aparición del rock & roll, lo más preciso sería emplazarla en el momento
en que por primera vez se produjo la popularidad masiva de cualquier tipo de música. El pop ha
estado siempre dirigido por la tecnología de masas, la comunicación y la dinámica comercial de la
cultura occidental y, por tanto, podemos fijar cronológicamente la aparición de la música popular en
el momento en que la música se hace, aunque parezca reiterativo, popular. Y ese momento viene
determinado por la invención del gramófono o fonógrafo. Hasta entonces, la experiencia musical se
reducía a la interpretación en vivo de una pieza ante un público presente, una experiencia limitada
por condicionamientos espacio-temporales. La evolución musical del pop viene totalmente
condicionada por las innovaciones en la grabación y reproducción del sonido.
Grabación y reproducción analógica:
FONÓGRAFO GRAMÓFONO TOCADISCOS MAGNETÓFONO
 Grabación y reproducción digital:
CD
DAT

5. 50´s
 Orígenes
Sus antecedentes más directos hay que buscarlos en el jazz, en los ritmos africanos trasplantados a
los Estados Unidos por los esclavos y posteriormente desarrollados en las comunidades negras: el
blues y el gospel.
El rock & roll nació como música claramente generacional, como una exigencia de ruptura con los
géneros musicales anteriores. Fue patrimonio de una juventud que, por primera vez en la historia, no
quería parecerse a sus mayores, representantes del puritanismo y el conformismo de la sociedad
estadounidense. Su público estaba compuesto mayoritariamente por adolescentes que reivindicaron
sus inquietudes y sus aspiraciones con la ayuda del nuevo género, cuya difusión por todo el mundo,
breve pero espectacular, encontró en los medios de comunicación de masas su principal aliado.
El rock & roll se convirtió pronto en la síntesis de una forma de vida. La juventud estadounidense
encontró un cauce de expresión adecuado a sus necesidades en un sonido frenético y estridente que,
al mismo tiempo, constituía una evolución de las raíces de la música popular, tanto negra como
blanca. Una percusión obsesiva y secciones de viento de intensidad deslumbrantes acompañaban a
un instrumento relativamente nuevo -había sido utilizado por vez primera a finales de los años
treinta-, que habría de convertirse en emblema de la joven música, la guitarra eléctrica, cuyo
chirriante sonido, expresamente distorsionado y sobreamplificado, causaría el entusiasmo del
público.
Las primeras grabaciones se realizaron en las pequeñas casas discográficas de Memphis, Nueva
Orleans y Chicago, lo que desencadenó la frontal oposición de las grandes compañías, marginadas del
negocio, que rechazaron en un principio el rock & roll por amoral y obsceno, por sus referencias
demasiado explícitas a la sexualidad -se consideraba que los intérpretes imitaban el acto sexual con
sus contoneos en el escenario.
Muy pronto, el término "rock & roll" se aplicó de manera genérica al conjunto de la música popular
de finales de los cincuenta y pasó a designar, además de piezas que merecerían estrictamente tal
calificativo, temas sentimentales interpretados por bandas de vocalistas negros, como los Platters,

6. canciones de artistas blancos del ámbito urbano (Pat Boone, Paul Anka, Frankie Avalon) y todo un
cúmulo de creaciones enormemente variadas.
Escucha “Rock around the clock” (1955) de Billy Haley and the Comets. Se considera la primera
canción rock de la historia de la música.
En los comienzos del nuevo estilo hay que mencionar a Bill Halley (1925-1981), un intérprete que
inició su carrera en el country and western. Pese a sus rudimentarios modos musicales, Halley supo
sacar partido de la sonoridad de la guitarra eléctrica para grabar, en 1952, junto con su grupo, los
Comets, la canción "Rock the Joint". En 1955, uno de sus temas, "Rock Around the Clock", que
formaba parte de la banda sonora de un filme, se convertía en el disco más vendido del momento.
Eran los comienzos del rock & roll. Pronto aparecieron piezas de un estilo similar, algunos de cuyos
intérpretes, tanto blancos (Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Ritchie Valens, Eddie Cochran,
los Everly Brothers) como negros (Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino), coparon los primeros
puestos en las listas de éxito de Estados Unidos. El nuevo estilo atrajo rápidamente a un amplio
público, más allá de cualquier frontera racial.

7.  Músicos de los 50
Destacaron dos fundamentalmente: Chuck Berry y Elvis Presley.
Compara una interpretación de uno y del otro, y escribe tres diferencias en cuanto a su música y
escribe también tres similitudes que encuentres entre sus músicas.
http://www.youtube.com/watch?v=6Y3-NSalpKI http://www.youtube.com/watch?v=NrjbwVhQOAw
LA MÚSICA DE CHUCK BERRY LA MÚSICA DE ELVIS PRESLEY
SIMILITUDES

8. 60´s
 Estilo Beat: The Beatles
La fusión de talentos y personalidades que se dio en
los Beatles se convertiría con el tiempo en la piedra
filosofal que guiaría la búsqueda de los descubridores
de ídolos de masas. John Lennon representaba la
provocación, el cinismo y la rebeldía, con un matiz
irónico, intelectual y autodidacta; Paul, era un joven
compositor romántico; el introvertido George
Harrison atrajo a aquellos que buscaban algo de
misterio, y Ringo Starr transmitía sencillez y mitigaba
las frustraciones de aspirantes a triunfadores de
físico poco agraciado.
En octubre de 1962 apareció el primer single de los
Beatles, "Love Me Do" http://www.youtube.com/watch?v=zwqzRXDibeM , y un año después se lanzaba "Please,
Please Me", ambos grandes éxitos. En febrero de 1963 los Beatles emprendieron la primera de una
serie de giras con las que fueron consolidando su fama. Durante esta etapa grabaron varios temas
que alcanzaron los primeros puestos en las listas: "From Me to You", "She Loves You", "I Want to
Hold Your Hand". A finales del mencionado año eran ya artistas consagrados en Inglaterra. En febrero
de 1964 realizaron la primera gira por Estados Unidos, repetición de sus éxitos europeos. A este año
corresponden sencillos como "Can't Buy Me Love", "A Hard Day's Night" o "I Feel Fine"; un año más
tarde saldrían al mercado "Ticket to Ride", "Help", "Day Tripper" y "We Can Work It Out", entre
otros. Durante 1966 continuaron las giras por todo el mundo, para promocionar sus nuevos temas -
"Paperback Writer", "Eleanor Rigby", el Lp Revolver-. Si las primeras canciones de los Beatles,
generalmente escritas por Lennon y McCartney, ya habían supuesto un cambio en la evolución del
rock, las nuevas ganaron en sutileza.
”Help” Canción emblemática de esta primera parte de la historia de los Beatles
http://www.youtube.com/watch?v=sXh4EuJa2TU

9. En un principio, los Beatles sobrellevaron el peso de la fama sin excesivas crisis, pero poco a poco
se fueron marcando diferencias entre las dos personalidades dominantes del grupo, Lennon y
McCartney, inseparables en la firma de los temas y separados en casi todo lo demás. A principios del
año 69, fecha de aparición del Lp Abbey Road y de sencillos como "Something" o "Come Together",
surgieron rumores de disolución; a pesar de las grabaciones en común, los miembros de la banda
profundizaban en sus experiencias en solitario. En 1971 se anunció una ruptura que, de hecho, habría
que situar en el año anterior.
Son varios los factores que explican la espectacular aceptación del grupo. Una de las claves fue, sin
duda, la rapidez de reflejos con la que supieron asimilar las ideas que circulaban entre la juventud. Su
capacidad para crear éxitos, generalmente con ingredientes sencillos, pero sin desdeñar
progresivamente influencias de los más variados ámbitos, resultaba asombrosa. Con el paso del
tiempo la banda fue abandonando el tono duro y descarnado de los inicios -los temas de Lennon
continuaron siendo los más fieles a la rudeza de los primeros tiempos-, en favor de un estilo más
melódico, dotado de matices de orígenes diversos, procedentes de la música clásica o de la música
hindú. Paralelamente, el aspecto de los cuatro músicos de Liverpool sufrió una clara transformación;
los "buenos chicos" pulcramente ataviados se convirtieron en jóvenes melenudos que exploraban
caminos heterodoxos, desde las filosofías orientales a los alucinógenos. Su presencia constante en las
listas de éxitos obligó a los Beatles a un trabajo agotador que se extendió al mundo del cine y creó
toda clase de secuelas comerciales. Las dimensiones de su fama fueron más allá del ámbito
puramente musical y llegaron a interesar a sociólogos e investigadores, que exploraron el fenómeno
de la "beatlemanía". El grupo se convirtió en uno más de los atractivos turísticos de Inglaterra, junto
a la familia real, los autobuses de dos pisos o los bobbies.
Hey Hude http://www.youtube.com/watch?v=BD3ovfZXO5Q
Con los Beatles, Gran Bretaña no sólo consiguió arrebatarle a
Estados Unidos la supremacía musical (Sinatra, Elvis), sino que
dejó atrás las heridas de la posguerra, se despojó del ambiente de
conservadurismo creado por ella y se convirtió en la pauta de las
modas juveniles mundiales, papel que sigue representando
todavía en la actualidad. Los Beatles, disco a disco, investigan, ya
sea por casualidad o por talento, concepciones musicales hasta ese momento inimaginable para un
grupo, llegando a convencer incluso a los detractores de lo que hasta entonces se consideraba
música para adolescentes.

10. Imagine

12.  Los Rolling Stones
De manera antagónica a los Beatles, sus más directos competidores
en el panorama musical británico de mediados de los sesenta, los
Rolling Stones cultivaron una imagen de grupo perverso y agresivo. La
banda, dotada de un excepcional sentido del espectáculo, estuvo
integrada en principio por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards,
Bill Wyman y Charlie Watts; tras la muerte de Brian Jones, se
incorporó a la formación Mick Taylor, que sería reemplazado, a su vez, por Ron Wood. Opuestos al
sonido característico de Liverpool, los Rolling Stones se mantuvieron fieles a sus raíces: la dureza del
rhythm & blues y del rock & roll clásico, representado por intérpretes negros como Chuck Berry.
I can´t get no (Satisfaction) http://www.youtube.com/watch?v=p_euKhE7rw0

13. Hay que remontarse hasta 1962 para descubrir los orígenes de la banda, que, a partir del año
siguiente, comenzó a adquirir cierto prestigio en los escenarios ingleses y logró colocar numerosos
temas de su repertorio en las listas de éxito. Tomó su nombre, The Rolling Stones, de un tema de
Muddy Waters. Los miembros del grupo, pertenecientes a la clase obrera y media, se encontraban
vinculados en mayor o menor medida a la ciudad de Londres.
La transgresión y la provocación se convirtieron en sus señas de identidad. Mick Jagger superaba
con sus movimientos la sensualidad de Elvis y gesticulaba hasta el paroxismo; a su lado, Brian Jones
ondeaba su melena rubia en una exhibición ambigua; en la zona menos iluminada del escenario, tres
seres furtivos arrastraban los pies y golpeaban con furia sus instrumentos. Marginados, intelectuales
y bohemios integraban la mayor parte de su público, y los dardos de sus detractores, que entonaban
la consabida retahíla de lamentaciones morales, se estrellaban contra una mala fama cada vez más
resplandeciente. El sonido sucio de sus instrumentaciones, el ambiente denso y obsesivo de sus
actuaciones, con la voz de Jagger pugnando por abrirse paso agresivamente, constituyen las
características esenciales de un estilo que se iba a mantener a lo largo de los años sin demasiados
cambios.
Los dos primeros álbumes del grupo, England's Newst Hit Mackers: The Rolling Stones y 12 ? 15,
aparecieron en 1964; en 1965 se lanzaba The Rolling Stones, Now!, que alcanzó mayor éxito. Siguió
Out of Our Heads, a finales del mismo año, con temas como "(I Can't Get No) Satisfaction", un clásico
del rock, que, como "Get Off My Cloud" se convirtió en himno generacional de los sesenta. Tras una
primera etapa con versiones de temas de rhythm & blues, Jagger y Richard, los autores del grupo,
encontraban su propia línea como creadores.
En los años siguientes los Rolling Stones consolidaron su fama con multitudinarios conciertos en
todo el mundo, para promocionar sus nuevos discos: en 1966 vieron la luz Big Hits (High Tide and
Green Grass), Aftermath y Got Live if You Want It!; en 1967, Between the Buttons y Their Satanic
Majestic Request, donde incorporaron la experimentación electrónica. Álbumes como Beggar's
Banquet, Through the Past Darkly o Let It Bleed acompañaron el final de la década. Paralelamente,
empezaron a surgir problemas internos, motivados por la rivalidad entre Jagger y Jones. En julio de
1969, el último aparecía muerto en una piscina. A finales del mismo año los Stones reaparecían, tras
tres años de ausencia, en los escenarios estadounidenses.

14. 70´s
 Movimientos del 68
El 68 representó la irrupción de una juventud posterior a la Segunda Guerra Mundial (la
denominada demográficamente como el baby boom) que, a pesar de (o precisamente a causa de)
estar recibiendo un nivel de formación educativa muy superior a la de sus padres (quienes se la
estaban proporcionando confiados en su capacidad de generar ascenso social), parecía no
compartir los valores de estos, ni encontrar sitio en una sociedad que percibían como
encorsetada, llena de convencionalismos arcaicos y necesitada de cambios. Se ha llegado a decir
que "por primera vez una clase de edad (adolescente y juvenil) tomó el relevo de las clases
sociales".
Movimientos ligados a la revolución de 1968 pueden localizarse en:
- Estados Unidos (protestas contra la Guerra de Vietnam, especialmente las que tuvieron lugar
durante la Convención Nacional Demócrata de 1968, el Movimiento por los derechos civiles -de
más amplio recorrido, pero que significativamente sufrió ese mismo año el asesinato de dos
líderes significativos: Martin Luther King y Robert Kennedy-, el Festival de Woodstock -1969- y
otros hechos y procesos relacionados),
- Checoslovaquia (Primavera de Praga, con su propuesta de
socialismo de rostro humano quizá el desencadenante o
precipitante del movimiento parisino, mientras que su represión
por los soviéticos significó una honda decepción en gran parte de
la opinión progresista occidental)
- México (matanza de la plaza de Tlatelolco, coincidente con la
celebración de los Juegos Olímpicos de México 1968)
- España (algunos movimientos universitarios de oposición al
franquismo, de mucha menor entidad). Otros países europeos
sufrieron notables sacudidas un poco más tarde (el otoño caliente
de 1969 en Italia, o las movilizaciones laborales de 1972-1973 en
Gran Bretaña ).
Esto nos hace entender el clima sociocultural de los jóvenes que
en definitiva eran los consumidores de la nueva música.

15.  Variedad de estilos: ¿Cuáles son sus diferencias? Busca un grupo de cada
GLAM HARD ROCK HEAVY METAL
ROCK PROGRESIVO PUNK
DISCO FUNK
NEW WAVE TECNO

16.  Bohemian Rhapsody
La canción “Bohemian Rhapsody” del grupo de rock
británico Queen. Su líder y cantante Freddie Mercury la
compuso para el álbum de la banda de 1975 titulado A
Night at the Opera. «Bohemian Rhapsody» se encuentra
dentro del estilo del monólogo de pesadilla, desconocido
para la música pop de la época. La canción, en efecto, no
posee estribillo, en lugar de lo cual se compone de
secciones aparentemente inconexas que incluyen
fragmentos de ópera, un pasaje a capela y un solo heavy
metal. La canción resume los estilos más importantes de la
década.
Tras el lanzamiento del sencillo, Mercury declaró:
Es una de esas canciones que tiene ese sentimiento de fantasía. Yo creo que la gente simplemente debería
escucharla, pensar en ella, y luego descifrar qué es lo que les está diciendo… Bohemian Rhapsody salió de la
nada. Investigué un poco, a pesar de que fuera una ópera medio humorística.
La canción está compuesta por seis secciones diferentes: introducción, balada, solo de guitarra,
ópera, hard rock y final. Este formato, repleto de cambios abruptos de estilo, tono y ritmo, fue
inusual para la música rock de la época.
http://www.youtube.com/watch?v=irp8CNj9qBI

17. Introducción (0:00–0:48)
La canción empieza con una introducción a capella de los cuatro integrantes de la banda en Si♭. En el
video los cuatro integrantes hacen sincronía de labios, ya que todas las voces de la sección eran
partes empalmadas de Mercury, May y Taylor. La letra cuestiona si la vida es real o si es una fantasía,
concluyendo con que no hay escape a la realidad.
Después de quince segundos, entra el piano y la voz de Mercury se alterna con las otras partes
vocales. El narrador se presenta como un "pobre niño", que no necesita simpatía, ya que él "fácil
viene y fácil se va". El sonido, durante este verso presenta una atmósfera soñadora. El fin de esta
sección es marcado por la entrada del bajo y del piano, siendo éste tocado a manos cruzadas en Si♭
Balada (0:48–2:36)
Esta sección comienza cuando Freddie Mercury aparece en el piano y John Deacon en el bajo. El
piano es tocado en forma de vamp (una figura repetitiva usada a menudo como melodía principal) en
Sib.
El bajo de Deacon entra tocando la primera nota y los versos vocales son cantados mediante una
interpretación apasionada de Mercury.
El contexto de la letra comienza con el narrador explicándole a su madre que ha matado a un
hombre, además explica la sucesión de hechos mediante el verso "put a gun against his head, pulled
my trigger and now he's dead" (puse el arma en su cabeza, presioné el gatillo y ahora esta muerto) y
al realizar este acto, el narrador se da cuenta de que su vida ha llegado al fondo.
La sucesión cromática de notas por parte del bajo es sobre una modulación a Mib, expresando el
modo de desesperación (1:19).16 En este momento Taylor toca en la batería una versión en forma de
balada de "We Will Rock You" (presenta el ritmo 1-1-2) y el narrador realiza una nueva invocación a
"Mama" en Mib. El narrador trata de consolar a su madre por medio del verso "Didn't mean to make
you cry" (mi intención no fue hacerte llorar) y pidiéndole a su madre que si él no vuelve, continúe
como si nada realmente hubiera pasado: "...If I'm not back again this time tommorrow, carry on,
carry on, as if nothing really matters..." (Y si yo no volviera a esta hora mañana, continúa, continúa,
como si realmente nada hubiera pasado). Una frase truncada en el piano une una repetición del
vamp en Sib.

18. Mientras la balada se traslada al segundo verso, el narrador muestra su cansancio, de esta forma
Brian May entra y toca las notas del piano en su guitarra (1:50).
El narrador le dice a todos adiós, anunciando que se tiene que ir y que se prepara para "enfrentar la
verdad"; la sección finaliza por medio del verso "Yo no quiero morir / a veces quisiera no haber
nacido". Otro bajo cromático desciende trayendo una modulación hacia la clave de La y la sección
operística.12
Solo de guitarra (2:36–3:03)
Cuando Mercury canta el verso "...I sometimes wish I'd never been born at all...", la banda
intensifica el sonido, siendo liderada por el solo de guitarra, el cual sirve como puente entre las
secciones de balada y ópera. La intensidad sigue aumentando, pero una vez que el bajo completa su
descenso, establece un nuevo tono y la banda corta abruptamente (3:03) excepto por una melodía
en el piano, tocada en la modulación La mayor.
El productor Roy Thomas Baker recalca que el solo se grabó en una única pista, en lugar de ser
unido en varias pistas. May ha declarado que siempre había querido componer "un pequeño tono
que podría usarse como contraparte de la melodía principal, y que no quería tocar la melodía". El
guitarrista dijo también que su mejor material salió de forma tal que: "Los dedos tienden a ser
predecibles, a menos que el cerebro los lidere".
Ópera (3:03–4:07)
Una rápida serie de cambios armónicos y rítmicos introduce una sección seudo-operática, la cual
contiene varias elaboradas partes de versos unificados en una sola pista, describiendo el descenso al
Infierno por parte del narrador. Al principio de la sección, Mercury canta acompañado de un piano, y
luego aparecen las voces de Mercury, May y Taylor, acompañadas de un coro formado por varias
pistas empalmadas, un piano, la batería, el bajo y un timbal sinfónico. La grabación de las pistas
vocales duraba desde diez a doce horas por día, resultando como producto final 180 grabaciones
separadas. A su vez, las pistas estaban formadas por mezclas sucesivas. Roger Taylor dijo que las
voces de él, Mercury y May combinadas creaban un amplio rango vocal: "Brian podía cantar bajo,
Freddie mediano y yo era bueno con las partes altas". La banda, además quería crear "una pared de
sonido", que después fue hecha por medio del efecto de campana, usado en los versos "Magnifico" y
"Let me go".

19. En cuanto a las referencias usadas en esta sección se encuentra a Scaramouche, el fandango, Galileo
Galilei, Fígaro y a "Basmala," como facciones rivales que pelean por el alma del narrador. La
introducción de la canción es recalcada mediante los versos "I'm just a poor boy, nobody loves me"
(Soy sólo un pobre chico y nadie me quiere). La sección concluye con un coro cantando "Beelzebub
has a devil put aside for me!" (¡Belcebú puso un demonio para mí!) en un bloque tocado en la tecla Si
mayor. Roger Taylor llega a la interpretación con un falsete en Si♭.
Usando la tecnología disponible por aquel entonces, se tardó tres semanas en completar la sección
operística. Roy Thomas Baker dijo que "Cada vez que Freddie cantaba un 'Galileo', tenía que agregar
una pieza de cinta más al rollo".
Hard rock (4:08–4:55)
El final de la sección operática trae un agresivo hard rock con un riff de guitarra escrito por Mercury y
grabado en dos pistas. Mercury canta enojado versos dirigidos a un desconocido "Baby", acusando a
éste de la traición, el abuso y la insistencia en el verso "can't do this to me, baby" (No puedes
hacerme esto, baby) que podría interpretarse como un flashback de ciertos acontecimientos que
ocurrieron en la sección anterior de balada "just killed a man" (acabo de matar a un hombre). Tres
guitarras ascendentes continúan, lo que puede describirse como algo que había que luchar con la
canción en el ejercicio de vivir. Mercury llega tres veces a la nota tenor en Do5, en el final de los
versos 'de "So you think you can love me and spit in my eye"(Pensabas que podías amarme y
escupirme en el ojo).
Peraino describe que, a raíz de la sala de audiencias del juicio en la sección operística "el héroe se
vuelve desafiante", de piedra y sale victorioso del juicio como un rebelde.19
Whitely relaciona este "gran sentido de urgencia" de Mercury con una "agitación interior de
abandonar la seguridad de Mary Austin, llegando a términos con el estilo de vida homosexual".
Aunque los comentarios de Austin fueron de entendimiento y sigue siendo un amigo cercano de ella,
el verso "just gotta get out" (sólo quiero salir) es una metáfora de la desesperación a medida que se
acerca el clímax final.
Outro (4:55–5:55)
Después de que Mercury toca octavas ascendientes de la escala en Si♭ en modo mixolidio, la canción
regresa al tempo y forma de la introducción. Una guitarra acompaña el coro "ooo, ooo yeah, ooo
yeah". Una melodía de guitarra en dos pistas es tocada por medio de un amplificador creado por

20. John Deacon, llamado por sus compañeros de banda "Deacy Amp". La línea que Mercury canta
"Nothing really matters..."(Ya nada realmente importa) reaparece, además de un nuevo sentido de la
libertad en cuanto al rango vocal del cantante.
De acuerdo con Peraino, esta sección final agrega "un nivel de resistencia a la complejidad de la
canción en contraste con la encantadora subversión de un rock and roll machista." Esta resistencia es
conocida mediante la "postura de la identidad bohemia, que constantemente busca cambios en su
personalidad". El verso final "Any way the wind blows" (cualquiera sea la dirección en que sople el
viento), es seguido por el sonido silencioso de un gran gong que finalmente expulsa la tensión creada
durante toda la construcción de la canción.

21. 80´s
 El videoclip
Con el video musical o videoclip en la década de los 80 los cantantes y grupos tuvieron la posibilidad
de difundir el hecho musical, dotándolo de una imagen, un coreografía, una historia, un modo de
vida… Así las productoras se adaptaron a la sociedad de consumo, y con el impulso de la TV se
consiguió el fenómeno fan que conocemos hoy en día. El pionero en utilizar el videoclip fue Michael
Jackson.
 Michael Jackson
Tras formar en los años sesenta, siendo aún un niño, un grupo de gran
éxito en compañía de sus hermanos, The Jackson Five, en la década de
los años ochenta se convierte en la superestrella de pop más exitosa a
nivel mundial, el nuevo rey de la música pop, debido al extraordinario
impacto de su álbum Thriller (1982), el disco más vendido de la historia
de la música.
http://www.youtube.com/watch?v=a_UOlfPXz4M
A lo largo de su trayectoria artística como solista, la música de Michael Jackson fue modernizándose
y evolucionando, especialmente desde la década de los años 80. Esto se manifiesta en los estilos
musicales soul o funk que interpretó, específicamente en la fusión de soul o funk10 con disco11 ("Billie
Jean" o "Thriller", de 1982); luego la de soul o funk con dance, o hard dance12 ("Bad" o "Smooth
criminal", de 1987); y la de soul o funk con hip hop13 ("Remember the time" o "Jam", de 1991), esta
última fusión se llama new jack swing.
Pero Michael Jackson también incursionó en el rock and roll duro, a través de sus innovadoras
canciones de hard rock14 como "Beat it" (1982),15 "Dirty Diana" (1987),16 "Black or white" (1991),17
"Give in to me" (1991),18 "D.S." (1995),19 "Morphine" (1997)20 y "Privacy" (2001), en las que han
tocado, entre otros, destacados guitarristas de hard rock como Eddie Van Halen, Steve Stevens y
Slash.
http://www.youtube.com/watch?v=gDs9_nGeYHQ

22.  Madonna
La cantante es un icono popular internacional de las últimas tres décadas, aspecto que incluso sus
detractores le reconocen. Es una estrella de rock conocida por reinventar su imagen, por la ambición,
innovación y provocación en sus vídeos musicales y espectáculos, y también por sus polémicas
personales y por el uso de símbolos políticos, religiosos y sexuales a lo largo de su carrera. Desde sus
inicios en 1983, con el lanzamiento de su primer álbum Madonna y hasta su último disco Hard Candy,
ha adquirido y mantiene un asombroso éxito y fama mundial, que ha atravesado distintas
generaciones.
Like a Prayer (1989) http://www.youtube.com/watch?v=OjOoaoPyCZw&feature=related
Like a Prayer se presentaba como un trabajo mucho más reflexivo y personal que los anteriores,
aunque su lanzamiento se vio espoleado por un notable escándalo (seguramente calculado) por el
video musical de la primera canción promocionada, la que le daba título. En el vídeo, Madonna
presencia un crimen y acude a una iglesia, donde de manera milagrosa, una estatua de un cristo
negro cobra vida y la acaricia. Acusada de blasfemia, Madonna se vio expuesta a virulentas críticas,
que supusieron la rescisión de un contrato publicitario por parte de Pepsi...si bien ella percibió el
dinero pactado.

23. 90´s
 Rock de fusión. El rock, el metal y el punk se fusionan con el rap y el funk, incorporando otros
elementos como rock progresivo. Fishbone, Faith No More, Red Hot Chili Peppers y Rage
Against the Machine. Años 80 - primeros Años 90 .
 El power metal epico alcanza su máxima expresión con bandas como Rhapsody of fire,
HammerFall, Edguy, Stratovarius.
 Surge el metal gótico, influido por el doom metal, Paradise Lost incluye voces femeninas y
teclados , aparece Lacrimosa en 1989, como principal influencia. el rock progresivo.
 El rock alternativo y el grunge revolucionan el género a raíz del éxito del álbum Nevermind de
Nirvana. Seattle se convierte en el centro del rock; además de Nirvana, surgen como
principales exponentes Pearl Jam (renacidos de las cenizas de los seminales Mother Love
Bone), Screaming Trees, Soundgarden y Alice In Chains, además de Hole o Afghan Whigs,
bandas que luego le abrirían el camino a otras de corte más comercial como Foo Fighters, o
Collective Soul. El grunge también influye en la escena hard rock, y las hair bands
prácticamente desaparecen con la nueva tendencia, observando un cambio en las temáticas,
que huye de la frivolidad y la diversión. En el rock alternativo triunfan Weezer, The Smashing
Pumpkins o Jane's Addiction gracias al festival Lollapalooza. Años 90.
 Aparición del Brutal death metal, lo que sería el subgénero más pesado dentro del rock y la
música en general, con bandas como Cannibal Corpse, Vital Remains, Suffocation, y luego una
segunda generación mucho más "bestia" y "gutural" liderada por Dying Fetus. También se
pueden mencionar grupos como Glossectomy, Disgorge, Vomitory y Devourment. También
aparecería el Melodic death metal que añadía riffs más melódicos y en ocasiones teclados,
cabe destacar a bandas como Arch Enemy, Children of Bodom, Dark Tranquillity y Amon
Amarth.
 Surge el stoner rock o rock desértico, fusión del rock psicodélico de los 70 con el rock
alternativo de los 90, con la música de Black Sabbath; característico por densos riffs de
guitarras oscuras y ritmos lentos, utilizando las afinaciones más graves de los instrumentos,
contrastado por The Melvins y otras bandas americanas provenientes de California como
Kyuss (considerados fundadores del estilo), Fu Manchu o Nebula pero sin llegar a alcanzar el
éxito comercial de las bandas de Seattle y del movimiento grunge; el estilo tuvo su
continuidad con bandas como Queens of the Stone Age durante la siguiente década.
Mediados de los años 90

24.  A ello se le viene a sumar el rock industrial y el metal industrial, con bandas como Nine Inch
Nails, Ministry, Marilyn Manson o Rammstein, Años 90.
 El metal de los 90 comienza a impregnarse del espíritu del Rock Alternativo; Sepultura
innovan con los álbumes Chaos A.D. y Roots, al igual que Metallica con sus discos Load y
Reload mientras que Pantera desbanca a Michael Jackson del número uno de la lista
americana con un disco de metal extremo llamado Far Beyond Driven. Años 90
 Grupos de hard rock y heavy metal con tendencia a incorporar elementos del rock psicodélico
y el punk, así como de la cultura de "Serie B", comienzan a popularizarse y triunfar en EEUU:
Monster Magnet, White Zombie, Y Danzig, banda del antiguo líder de The Misfits. Mediados
de los años 1990
 The Black Crowes contrastan como "rara avis" en la nueva escena por su propuesta
fuertemente retro, e influenciada por The Faces o The Rolling Stones. A lo largo de los años 90
desarrollarían mas su estilo hacia el concepto de "Jam-Band", entrocando así con un
incipiente "revival 70's", secundado por la personal propuesta de Blind Melon, quienes desde
1992 conjugan el Rock alternativo y ciertos aspectos del grunge con una estética y sonido
retro, y seuguido ,en menor medida, Spin Doctors y una nueva hornada de grupos
influenciados por Grateful Dead que despuntarían en la segunda mitad de la década, entre
ellos, Phish y Blues Traveller. Años 1990.
 Esta tendencia retro hacia sonidos de los 70, la confirmarían grupos como Counting Crows o 4
Non Blondes, que saltarían a la fama con sus dos respectivos hits, "Mr. Jones" y "What's up",
temas que sonarían de forma insistente durante el resto de la década en las radiofórmulas,
convirtiéndose ambos en temas de referencia de la década. Mediados de los Años 90.
 El britpop nace en el Reino Unido a mediados de los Años 90, como reacción a la creciente
popularidad del grunge que invadía las radios locales, de la mano de grupos como Oasis, Blur,
Pulp, Suede, The Verve. El britpop toma influencia de los géneros madchester, indie,
shoegazing, new wave y el rock de los 70' y 60'. Mediados de los Años 1990.
 Prodigy, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, Apollo 440 y otros artistas de big beat combinan
rock con distintos géneros de música electrónica, alcanzando una notable popularidad entre
las audiencias rock. Mediados de los Años 1990.
 Surge el pop punk con grupos como The Offspring, Green Day, Blink 182 ,Rancid, Bad Religion
y NOFX (procedentes de la escena hardcore punk melódica) principalmente, que se encargan
de llevar el punk a un plano menos contracultural y rupturista que el punk original, y
musicalmente más pulido. Mediados de los Años 1990.
 Bandas como Redd Kross, Urge Overkill o Jellyfish, reivindican de nuevo la música e imagen de
los Años 70, esta vez desde una óptica y sonido cercanos en ocasiones a Cheap Trick o los

25. primeros Kiss, y a melodías Beatlelianas arropadas por enérgicas secciones rítmicas tomadas
del punk y el hard rock; años 90.
 Los años 1990 es también la década en que triunfan solistas, en ocasiones cercanos a la figura
del crooner o del cantautor, pero con propuestas marcadamente personales, arriesgadas e
iconoclastas, que en muchas ocasiones toman un rumbo fuera del género, como Jeff Buckley,
PJ Harvey, Björk o Tori Amos. Cabe citar asimismo los últimos discos para American
Recordings de un artísticamente renacido Johnny Cash.Años 1990
 Radiohead publica OK Computer, álbum que según la prensa musical se convierte en su obra
cumbre y uno de los más importantes de la década,7 influyendo en grupos posteriores como
Travis, Coldplay o Muse. Finales de los años 1990.
 Nu metal, el metal alternativo y el rap metal como Korn, Deftones, Linkin Park, Limp Bizkit,
Slipknot o System of a Down; heredero del rock de fusión. Últimos Años 90, y primera mitad
de la núeva década. Años 2000.
 Segunda etapa del gothic metal y tercera etapa del gothic rock, se suprimen las voces
guturales del death en el metal gótico: Nightwish, Within Temptation, Anabantha (1996).
Nightwish fusionan metal gótico con ópera. Gothic rock con tendencia al gothic metal: L'Âme
Immortelle, Entwine, Evanescence, HIM (1996 - 1998). Mediados de los Años 90.
 Surge el groove metal influenciado por el thrash metal y el nu metal, metal industrial que
mezcla Metal con música electrónica, Avant garde metal o metal experimental, y el viking
metal que es influenciado por el death metal, black metal, y temas de imaginaria vikinga.
mitad de años Años 90
 Segunda mitad de la década, nueva ola de rock, llamado en ocasiones action-rock,
fusionando hard rock con punk, como reacción a la intelectualidad del grunge y el alternativo,
vuelta al rock más básico. El movimiento proviene de Escandinavia principalmente;
Turbonegro, Backyard Babies, Hellacopters, Hardcore Superstar o Gluecifer; sin olvidar la
respuesta americana, con Buckcherry o Nashville Pussy. Ello trae consigo un cierto revival del
glam metal, y grupos como L.A.Guns o Poison vuelven a girar o editar discos. Últimos años
1990 y primera mitad de los años 2000
 Últimos años 90, y primera mitad de la nueva década, se populariza el country alternativo o
"americana"; así se le llama al nuevo rock americano; country y música de raíces americana
fusionado con rock alternativo; Drive-By Truckers, Steve Earle, Lucinda Williams, Son Volt,
Wilco o Cracker. Vuelta a las raíces, pero con otro punto de vista más actual, partiendo del
legado de Gram Parsons, y cuyas raíces se sitúan generalmente en el grupo Uncle Tupelo.
 En España, hacen auge grupos como Extremoduro y Platero y tú. y Nacen muchos otros como
Dikers, Marea y La Fuga.